Los cómics y los dibujos animados marcaron el inicio de Ana Benaroya (Nueva York, 1986) en el universo del dibujo. (Pinche aquí para leer el artículo completo).
Al preguntarle ¿quién es Ana Benaroya?, nos relata su infancia como tomboy, destacando su fascinación por los superhéroes (como Spiderman), los dibujos animados (como las Tortugas Ninja) y su colección de figuritas. Su universo iconográfico se ha moldeado a lo largo de toda una vida, fusionando referencias y experimentando una continua evolución tanto personal como artística.
De hecho, las influencias de su niñez perduran en su obra actual, evidenciando la persistencia de elementos que han marcado su trayectoria. Durante la secundaria, inició su andadura en el dibujo y posteriormente se dedicó al estudio de la ilustración (Maryland Institute College of Art). En sus primeros pasos, la estética publicitaria capturó su atención, atrayéndola con colores digitales y el uso de Photoshop. A pesar de alcanzar logros notables como ilustradora, colaborando con entidades como The New York Times o National Geographic, Ana sintió la necesidad de explorar nuevos horizontes. Y es que, durante sus años como ilustradora y diseñadora, desarrolló su trabajo personal de manera paralela, experimentando un compromiso más profundo con este.
Simultáneamente, Instagram se convirtió en una herramienta educativa clave para ella. Austin Lee (@austinleee), uno de sus artistas favoritos, la invitó a su estudio para charlar sobre el inicio de esta nueva etapa. Consciente de que su crecimiento como artista requería explorar otros caminos, Ana Benaroya se embarcó en la búsqueda de su propia voz creativa, iniciando sus estudios en dibujo en la Universidad de Yale en 2019.
La transición desde la ilustración hasta el inicio de una carrera artística
La diferencia fundamental, radica en que, al crear una ilustración, estás respondiendo a un encargo específico, ya sea para publicidad, un artículo, u otro propósito definido. En cambio, en un proyecto de bellas artes, te sumerges en la creación de tu propia narrativa, construyes tu propia historia y el contexto que la envuelve. Además, “mantengo la convicción de que un ilustrador talentoso es igual de competente que un pintor habilidoso. La fuerza artística de un individuo resplandece a través de cualquier camino que decidan emprender.”
Otro aspecto que dice haberse llevado consigo de su experiencia como ilustradora es la noción de la narrativa, no simplemente una historia lineal, sino la habilidad de construir un mundo y un tiempo que cobren vida. Nos cuenta cómo desde su primera exposición en Brooklyn y hasta las dos últimas exposiciones que ha llevado a cabo se ha encargado de construir discursos y narrativas acordes. En las dos últimas exposiciones, dedicadas a las mujeres en el agua buscó referencias en la historia del arte, específicamente en artistas como Bonnard, quien pintó a su esposa en la bañera, y luego Renoir, también pintando a estas mujeres voluptuosas junto al mar. Así, se dio cuenta de que las mujeres junto al agua era un tema que existía, tanto artísticamente como de manera contemporánea. “Así que, aunque pensé que era una narrativa específica, me gusta pensar en la idea de una historia que existe”.
El puente que une su producción como ilustradora y su trayectoria más personal queda reflejado en la figura de Andy Warhol, al que citábamos durante la entrevista por la semejanza en su uso de los colores. “Es curioso que menciones a Andy Warhol, porque siempre pienso en él, ya que fue ilustrador primero”. Fue de él de quien aprendió la estética de utilizar colores limitados, enseñándole la honesta utilización de la paleta. Aunque en la actualidad emplea una gama más amplia, señala que “esa lección fue fundamental para mi sensibilidad gráfica”.
El equilibrio entre la dulzura y la fuerza en sus personajes
En cuanto a los personajes, nos dice, sus primeros trazos se inspiraron en figuras de superhéroes y copias de fotografías de atletas en tarjetas deportivas; “me identificaba con ellos. Eran personajes plenamente desarrollados y protagonistas, ya que los personajes femeninos a menudo quedaban relegados a roles secundarios en historias lideradas por hombres. Inicialmente, no dibujaba mujeres; fue durante mi posgrado, cuando experimentaba un bloqueo mental al intentar representar a las mujeres de manera identificable para mí, buscaba que fueran igual de poderosas que los hombres que ya pintaba. Fue así como comencé a fusionar rasgos masculinos y femeninos que se asocian comúnmente con ambos géneros. Aunque los denomino «mujeres» en mis pinturas, creo que ese concepto es subjetivo, ya que es mi manera de identificarme con ellas. Considero que no se adhieren a los roles de género tradicionales que la sociedad impone a las mujeres”.
En los rostros de sus personajes se puede observar un delicado equilibrio entre la dulzura de sus rostros y su fuerza corporal. Al comentarlo, Ana señala que se da cuenta de que disponemos de una vasta oportunidad para explorar cómo podemos existir en la historia de la pintura, desafiando las convenciones sobre rostros atractivos y cuerpos fuertes. “Creo que quiero que sean seductoras y atractivas, porque es donde mi identidad Queer se manifiesta. Mi objetivo es que estos personajes sean visualmente impactantes y deseables, pero sin perder su identidad y trascendencia. Busco equilibrar la atracción visual con la autenticidad, creando así un objeto de deseo que no relegue ni despoje a mis personajes de su poder”.
¿Qué hay de crítica social en la obra de Ana Benaroya?
Desde su perspectiva, nos explica, que no lo aborda como un intento de dictar cómo las personas deben percibirse o expresar sus vidas. “En mi proceso creativo estoy inmersa en la exploración personal, descubriendo aspectos que resuenan con mi propia experiencia. No asumo el rol de ser la voz de un colectivo, ya que no me convertí en artista con esa intención”. Aunque es crucial que los problemas sociales encuentren su espacio en el arte que presenciamos, este enfoque suele ser un resultado secundario de la expresión artística que me impulsa.
“No concibo que un artista individual pueda representar plenamente a un grupo social, ya que esto suele ocurrir de manera accidental. Una obra de arte tiene la capacidad de comunicar de manera visceral, y este poder a menudo trasciende las lógicas convencionales”.
Música e instrumentos: los otros grandes protagonistas
Todo comenzó con su primera exposición en Brooklyn. Nos cuenta cómo imaginó que tendría lugar en el Café Rick’s de la película Casablanca, un café que también era un bar de jazz; “había música de fondo e imaginé mujeres fumando, bebiendo y tocando instrumentos y cantando. Eso me hizo pensar en mi relación con la música”. Solía tocar en la banda de la escuela secundaria, tocaba el piano y el clarinete y escucha música constantemente en el estudio. Además, y entre risas, nos cuenta que cuando era niña e iba en el coche, cuando escuchaba una canción pretendía que, “ya sabes”, era la persona que cantaba. “Creaba toda una historia en mi cabeza sobre a quién le estaba cantando y quién estaba escuchando y pensé que era un experimento interesante. Sacar de tu cuerpo la voz de otra persona y crear esta historia. Me gusta esa idea en términos de arte y creo que es algo en lo que pienso mucho en mi propio trabajo, de hacer una pintura y tener la oportunidad de imaginarme fuera de mi propio cuerpo” Además de eso, me interesaba cómo las canciones tienden a ser románticas y poéticas y hablan al corazón. Es algo que espero que mi arte también pueda hacer, aunque considero que es más difícil conseguirlo con el arte visual que con la música, así que por esas razones a menudo busco inspiración en la música para ponerle título a mis obras.
Y, ¿qué sucede con los personajes fumando?
Al observar a los actores y actrices clásicos de Hollywood en películas antiguas vi que fumaban todo el tiempo, y pensé que ver a una mujer fumando en una película ya no es lo habitual y en la publicidad no está ni permitido. Creo que a menudo, si una mujer fuma, se percibe como, tal vez rebelde, más independiente, más masculina casi, y me gustaba esa idea. Además, al igual que ocurre con las canciones, creo que mi arte es una oportunidad para hacer cosas que no haría en la vida real, nunca fumaría, pero en mis cuadros puedo hacerlo.
Su trabajo escultórico
Ana también ha abarcado el trabajo escultórico. En su página web podemos encontrar algunas piezas como “Blue Nymph”. Sobre esta nos cuenta que está hecha en arcilla a tamaño natural, y que la esculpió a escala, siendo la pieza final de bronce. Aunque siempre parte de la arcilla también ha trabajado el vidrio. Aunque, nos confiesa que, cuando se centra en un medio, le cuesta enfocarse en otros.
¿Cuáles son y han sido sus referencias artísticas?
Al mismo tiempo en el que leía cómics y veía dibujos animados, sentía una gran atracción por Miguel Ángel y otros artistas del Renacimiento. Las esculturas greco-romanas también le llamaban enormemente la atención, y, de hecho, tienen una fuerte conexión con sus musculados personajes.
Trabajando como ilustradora amplió sus referentes, “descubrí imágenes de los Chicago Imagists, como Karl Wirsum y Gladys Nilsson. Me pareció muy interesante, no había visto algo así antes y siento que me abrió la mente de alguna manera, comprendiendo cómo podía traducir mi trabajo a este otro mundo”. Posteriormente, Tom of Finland se convirtió en una fuente significativa de inspiración para Ana, quien lo descubrió durante sus años universitarios. A medida que exploraba más sobre artistas contemporáneos, Austin Lee destacó como una gran influencia para ella, y su admiración por Dana Schutz creció aún más tras asistir recientemente a la impresionante exposición en Nueva York, donde destacaban tanto esculturas como pinturas. Otra artista que la fascina es Katherine Bradford (@kathebradford), una figura destacada en la escena artística de Nueva York. Además, no puede dejar de mencionar a Carroll Dunham y Chris Ofili, quienes también han dejado una profunda huella en la percepción artística de Ana.
Aunque todavía no ha tenido contacto con el mercado artístico español, Ana dice sentir una conexión con este país.
Ecos Creativos: voces femeninas en el arte. Entrevista de Marta Prados Martín
Fotografías de la artista de Nicolas Calcott
Fotografías de la obra cortesía de la artista
Ana Benaroya (@anabenaroya): From heroes to muses, beyond the canvases (EN)
Comics and cartoons marked the beginning of Ana Benaroya’s (New York, 1986) artistic journey in the world of drawing. When we asked, «Who is Ana Benaroya?» she recounts her childhood as a tomboy, highlighting her fascination with superheroes (like Spiderman), cartoons (like the Teenage Mutant Ninja Turtles), and her collection of figurines. Her iconographic universe has evolved throughout her life, merging references, and experiencing continuous personal and artistic growth.
The influences of her childhood persist in her current work, showcasing elements that have shaped her trajectory. In high school, she began her journey into drawing and later pursued studies in illustration at the Maryland Institute College of Art. In her early steps, the aesthetic of advertising captured her attention, drawing her in with digital colours and the use of Photoshop. Despite achieving notable success as an illustrator, collaborating with renowned entities such as The New York Times and National Geographic, Ana felt the need to explore new horizons. During her years as an illustrator and designer, she developed her own work simultaneously, engaging in a deeper commitment to her more personal production.
Simultaneously, Instagram became a educational tool for her. Austin Lee (@austinleee), one of her favourite artists, invited her to his studio to discuss the beginning of this new phase. Aware that her growth as an artist required exploring new paths, Ana Benaroya embarked on the quest for her unique creative voice, initiating her drawing studies at Yale University in 2019.
The transition from illustration to the beginning of an artistic career:
The fundamental difference lies in creating an illustration, where you respond to a specific commission for advertising, an article, or another defined purpose. In contrast, in fine arts projects, you immerse yourself in creating your narrative, building your own story and the context that envelops it. Furthermore, she maintains the conviction that a talented illustrator is just as competent as a skilled painter. The artistic strength of an individual shines through any path they choose.
Another aspect she carried from her illustration experience is the concept of narrative, not just a linear story, but the ability to build a world and a time that comes to life. From her first exhibition in Brooklyn to the two latest exhibitions dedicated to women in the water, she crafted coherent discourses and narratives. In the last two exhibitions, she sought references in art history, specifically artists like Bonnard, who painted his wife in the bathtub, and later Renoir, portraying voluptuous women by the sea. She realized that women by the water was a recurring theme, both artistically and contemporaneously. «So, even though I thought it was a specific narrative, I like to think of the idea of a story that exists.»
The bridge between her production as an illustrator and her more personal trajectory is reflected in the figure of Andy Warhol, mentioned during the interview for the similarity in their use of colours. «It’s funny that you mention Andy Warhol because I always think of him, as he was an illustrator first.» She learned from him the aesthetics of using limited colours, teaching her the honest use of the palette. Although she now employs a broader range, she notes that «that lesson was fundamental to my graphic sensibility.»
The balance between sweetness and strength in her characters:
Regarding her characters, she explains that her initial sketches were inspired by superheroes and copies of athletes photographs on sports cards; she identified with them. Initially, she didn’t draw women. It was during her postgraduate studies when she faced a mental block trying to represent women in an identifiable way. She sought to make them as powerful as the men she already painted. This led her to merge masculine and feminine features commonly associated with both genders. While she labels them «women» in her paintings, she believes the concept is subjective, her way of identifying with them. She considers that they do not adhere to traditional gender roles imposed by society.
In the faces of her characters, there is a delicate balance between the sweetness of their expressions and their bodily strength. Commenting on this, Ana notes that there is ample opportunity to explore how they can exist in the history of painting, challenging conventions about attractive faces and strong bodies. «I think I want them to be seductive and attractive because that’s where my Queer identity manifests. My goal is for these characters to be visually striking and desirable without losing their identity and transcendence. I seek to balance visual attraction with authenticity, creating an object of desire that does not relegate or strip my characters of their power.»
What about social criticism in Ana Benaroya’s work?
From her perspective, she states that she does not approach it as an attempt to dictate how people should perceive or express their lives. «In my creative process, I am immersed in personal exploration, discovering aspects that resonate with my own experience. I do not assume the role of being the voice of a collective, as I did not become an artist with that intention.»
«I do not conceive that an individual artist can fully represent a social group, as this often happens accidentally. Art has the ability to communicate viscerally, and this power often transcends conventional logics.»
Music and instruments: the other major protagonists
It all began with her first exhibition in Brooklyn. She describes how she imagined it taking place at Rick’s Café from the movie Casablanca, a café that was also a jazz bar. «There was background music, and I imagined women smoking, drinking, playing instruments, and singing. That made me think about my relationship with music.» She used to play in the high school band, playing the piano and clarinet, and constantly listens to music in the studio. Additionally, she shares with laughter that when she was a child and rode in the car, when she heard a song, she pretended that, «you know,» she was the person singing. «I created a whole story in my head about who I was singing to and who was listening, and I thought it was an interesting experiment. Taking someone else’s voice out of your body and creating this story. I like that idea in terms of art, and I think about it a lot in my own work, making a painting and having the opportunity to imagine myself outside my own body.» Besides that, she was interested in how songs tend to be romantic and poetic and speak to the heart. It’s something she hopes her art can also achieve, although she considers it more challenging with visual art than with music. For these reasons, she often seeks inspiration in music to title her works.
And what about characters smoking?
Observing classic Hollywood actors and actresses in old movies, she noticed that they smoked all the time. She thought that seeing a woman smoking in a film is no longer common, and it is not even allowed in advertising. She believes that often, if a woman smokes, it is perceived as maybe rebellious, more independent, almost more masculine, and she liked that idea. Moreover, like songs, she thinks her art is an opportunity to do things she wouldn’t do in real life; she would never smoke, but in her paintings, she can.
Her sculptural work:
Ana has also delved into sculptural work. On her website, we can find some pieces like «Blue Nymph.» This sculpture, she tells us that it was made in life-sized clay and sculpted to scale, with the final piece being in bronze. Although she always starts with clay, she has also worked with glass. However, she confesses that when she focuses on one medium, it’s challenging for her to shift her focus to others.
As for her artistic influences, while reading comics and watching cartoons, she felt a strong attraction to Michelangelo and other Renaissance artists. Greco-Roman sculptures also captivated her, and they indeed have a strong connection to her muscular characters.
Working as an illustrator, she expanded her artistic references. She discovered images of Chicago Imagists, such as those by Karl Wirsum and Gladys Nilsson, finding them very interesting and feeling that they opened her mind to how she could translate her work into this other artistic world. Subsequently, Tom of Finland became a significant source of inspiration for her during her university years. As she delved into contemporary artists, Austin Lee stood out as a great influence, and her admiration for Dana Schutz grew even more after attending a recent impressive exhibition in New York featuring both sculptures and paintings. Another artist who fascinates her is Katherine Bradford, a prominent figure in the New York art scene. Additionally, she cannot fail to mention Carroll Dunham and Chris Ofili, who have also left a profound impact on her artistic perception.
Although she has not yet had contact with the Spanish art market, Ana expresses a sense of connection with the country.
